Realismo Mágico

El realismo mágico es un género artístico y literario de mediados del siglo XX.
El término fue inicialmente usado por el alemán critico artístico Franz Roh para describir una pintura que demostraba una realidad alterada, pero fue usado más tarde por el venezolano Arturo Uslar Pietri para describir el trabajo de ciertos escritores latinoamericanos.
Entre sus principales exponentes están el guatemalteco Miguel Ángel Asturias y el colombiano Gabriel García Márquez, ambos galardonados con el Premio Nobel de Literatura, aunque muchos aclaman como padres del realismo mágico a Arturo Uslar Pietri, y a Juan Rulfo. Jorge Luis Borges también ha sido relacionado al realismo mágico pero su negación absoluta del realismo como género o mera posibilidad literaria lo pone contra este movimiento. Laura Esquivel de México con "Como agua para chocolate" y Alejo Carpentier, de Cuba, en su prólogo al Reino de este mundo, define su escritura inventando el concepto de "real maravilloso", que a pesar de sus semejanzas con el realismo mágico de Gabriel García Márquez, no se tiene que asimilar con él. El realismo mágico se desarrolló muy fuertemente en lás décadas del '60 y '70, producto de las discrepancias entre dos visiones que convivían en Hispanoamérica en ese momento: la cultura de la tecnología y la cultura de la superstición. Además surgió como modo de reaccionar mediante la palabra a los regímenes dictatoriales de la época. Sin embargo, existen textos de este tipo desde la decada de 1930, de la mano de las obras de José de la Cuadra
El realismo mágico se define como la preocupación estilística y el interés de mostrar lo irreal o extraño como algo cotidiano y común. No es una expresión literaria mágica, su finalidad no es la de suscitar emociones sino más bien expresarlas y es, sobre todas las cosas, una actitud frente a la realidad. Una de las obras más representativas de este estilo es Cien años de soledad de Gabriel García Márquez.
El realismo mágico comparte ciertas características con el realismo épico, como la pretensión de dar verosimilitud interna a lo fantástico e irreal, a diferencia de la actitud nihilista asumida originalmente por las vanguardias como el surrealismo.
Una vez Gabriel García Márquez dijo: “Mi problema más importante era destruir la línea de demarcación que separa lo que parece real de lo que parece fantástico. Porque en el mundo que trataba de evocar, esa barrera no existía. Pero necesitaba un tono inocente, que por su prestigio volviera verosímiles las cosas que menos lo parecían, y que lo hiciera sin perturbar la unidad del relato. También el lenguaje era una dificultad de fondo, pues la verdad no parece verdad simplemente porque lo sea, sino por la forma en que se diga.”

Vanguardia

El término vanguardia procede del francés Avant-garde. Metafóricamente, en el terreno artístico la vanguardia es, pues, la «primera línea» de creación, la renovación radical en las formas y contenidos para, al mismo tiempo que se sustituyen las tendencias anteriores, enfrentarse con lo establecido, considerado obsoleto.
La vanguardia se manifiesta a través de varios movimientos de vanguardia, los ismos, que desde planteamientos divergentes abordan la renovación del arte, desplegando recursos que quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX y tuvieron su auge en Europa, desde donde se extendieron al resto del mundo, principalmente América del Norte, Centroamérica y América del Sur.
En España e Hispanoamérica, el vanguardismo reacciona contra el modernismo, cuyas innovaciones resultan insuficientes y caducas a ojos de los vanguardistas.
Vanguardia significaba innovar o liberar la cantidad de reglas y estamentos que ya estaban establecidos por los movimientos anteriores; por eso se dice que la única regla del vanguardismo era no respetar ninguna regla. La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta de manera peculiar en cada uno de los géneros literarios y de la siguiente manera: en la narrativa, se diversifica la estructura de las historias, abordando temas hasta entonces prohibidos y desordenando todos los parámetros del texto narrativo; en la lírica se rompe con toda estructura métrica y se da más valor al contenido; en el teatro se producen también cambios.
Los cambios que produce el vanguardismo no afectan sólo a la literatura. Otras artes sufrieron cambios radicales. En la arquitectura se desecha la simetría para dar paso a la asimetría; en la pintura se rompe con las líneas, con las formas y con los colores neutros y se rompe la perspectiva para darle paso al grabado desordenado y ampuloso. En la escultura aparecen las figuras amorfas que cada quien interpreta según su forma de percibirlo, en la danza desaparecen todos los aditamentos y vestuarios clásicos para utilizar de mejor forma la expresión corporal. En la música al igual que en la literatura es donde se produce los cambios más radicales.

PATAFISICA

Uno de los avances más importantes para el arte contemporáneo fue el aprender a introducir el absurdo, como un proceso altamente intelectual, dentro del arte, vemos así que no sólo existe el absurdo dentro del teatro existencialista, sino también en las obras de vanguardia como las de Pablo Palacio, o como las de Chaparro. así uno de los grandes formas de desarrollar el absurdo fue a través de la escuela de Patafísica, pues pese a ser una ciencia sobre los Absurdos, una ciencia aparentemente loca ayudó a desarrollar una gran cantidad de artistas cuyas obras tienen una altísima calidad; tenemos el caso curioso de Humberto Eco quien muestra un enorme raciocinio y enorme lógica en su obra, sin embargo es miembro actual de la escuela de patafísica a través de la cual llegó atener gran calidad en su arte. El ejemplo de Humberto Eco nos muestra lo importante que es para el arte actual entender el absurdo como un proceso bastante intelectual y lleno de significado, y ahí es donde radica la importancia de institusiones como las escuelas de patafísica.

Jorge Luis Borges

OPINION PERSONAL: Los cuentos de este autor se desenvuelven en un ambiente solitario; pasa algo ilógico ya que a los personajes no se les da mucha importancia pero al final son indispensables par entender el cuento. Los personajes tienen ciertas características como por ejemplo: no tienen ganas de vivir, muy fríos, muy serios.

Sus personajes siempre hacen cosas ridículas, aparecen sin más ni menos, son descritos de tal forma que parecen irreales. Resalta en sus personajes cosas muy duras ya que siempre son gobernados por seres supremos, como dioses muy raros pero poderosos.

LOS COLORES EN OPIO EN LAS NUBES

Pink tomate es un personaje que te cuenta historias muy dramáticas y exepsionales; como por ejemplo cuando mirando por su ventana vió a una pareja teniendo relaciones, los pilló pero la mujer mató a su pareja de un disparo y lo metió en un ataúd. A Pink-Tomate se lo relaciona con el color rojizo (de la sangre) ya que siempre cuenta historia sangrientas.

El color amarillo lo maneja Amarilla; es una chica que siempre salía a bailar y le llevaba a los bares a Pink-Tomate y salía con Sven.

El color Azul es manejado por Sven, ya que siempre que hacía algo era relacionado con el color azul; ej: cuando se fumóo un cigarrillo el humo era azul.

OPIO EN LAS NUBES

RESUMEN:Me parece interesante como el autor trabaja el tema del tiempo y el espacio, porque mezcla el mundo de los vivos y de los muertos.
A pesar de que los personajes del cuento estén muertos el autor trabaja en torno de ellos como si estuviesen vivos.
El esenario es el mismo, siguen presentes en la ciudad como si aún mantuvieran sus vidas.

COMENTARIO: Me gustó la lectura porque es un libro sencillo pero con cosas muy originales como esta (mantener vivos a los muertos), que al final rompen con la lógica normal.